Geografías de Frank Bowling

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Cuestionario del artista

La inquietante innovación del influyente pintor se exhibe en una retrospectiva en California.

Por Lovia Gyarkye

Mire cómo cae el amarillo en las dos gigantescas pinturas de Frank Bowling tituladas “Middle Passage”, ambas realizadas en 1970. ¿Vea cómo en una de ellas, el color se encuentra con el rojo para crear un naranja que se asemeja al sol justo antes de desaparecer del cielo? El amarillo no puede quedarse en un solo lugar. Está inquieto, muy parecido al artista guyanés responsable de su viaje. En la parte inferior del lienzo, el amarillo revela una forma, un contorno del país de origen de Bowling. Entrecierra los ojos y toda América del Sur flota a lo lejos. África también. El amarillo finaliza su recorrido mezclándose con un verde tan fresco como las manchas de hierba. Juntos, forman un color que, desde algunos ángulos, parece negro.

“Para mí, lo más importante de estas pinturas [“Middle Passage”] no son las imágenes”, me escribió Bowling recientemente, “ni el título”, que se refiere a la ruta histórica de los esclavos entre África occidental, América y el resto del mundo. Caribe. "Se trata de la forma en que el color se esparce y sangra por el lienzo, lo que le hace al ojo, cómo te atrapa como espectador". Sin embargo, a pesar de que Bowling, de 89 años, se resiste a anclar “Middle Passage” a sus geografías oscurecidas, el lugar juega un papel importante en el desarrollo del pintor como uno de los artistas abstractos más influyentes de su generación.

Dos programas recientes exploraron la compleja relación de Bowling con la agrimensura. En el Museo de Arte Moderno de San Francisco, “Frank Bowling: The New York Years, 1966–1975”, que se exhibirá hasta el 10 de septiembre, examina la época del pintor en la ambiciosa metrópolis, donde debatió ferozmente sobre el arte como crítico y comenzó sus pinturas de mapas. “Landscape”, en Hauser & Wirth en West Hollywood, que cerró el 5 de agosto, seleccionó 11 de las obras recientes del artista. En esos grandes lienzos, Bowling se centra en las texturas de la topografía. Acepta y manipula la viscosidad de la pintura, la deja gotear y mezclarse. Salpimentar y congelar.

Los bolos nacieron en Guyana en 1934, cuando el país todavía estaba sujeto al brutal experimento imperial británico. Los recuerdos de su primera infancia giran en torno a su madre, que dirigía una tienda de ropa y contrató a su hijo como asistente. Antes de ser pintora, Bowling se limpiaba los mosquitos de las piernas mientras trabajaba en proyectos de costura. Ayudó a hacer recados. Viajaba en bicicleta por la costa de Guyana, desde Nueva Amsterdam hasta Georgetown, recogiendo pedidos de cintas, saris y encajes.

“Mirando hacia atrás, creo que mucho de eso fue para protegerme de mi padre”, dijo Bowling sobre la atención de su madre. (Más tarde le pagaría la matrícula de su primer semestre en el Royal College of Arts de Londres.) Era, en sus propias palabras, un “niño incontrolable”, de esos a los que les gustan los planes que los padres considerarían peligrosos: nadar en estanques, caza y Pesca. El padre de Bowling era un policía con inclinaciones autoritarias. El joven artista, sediento de libertad, se encontró a merced de cinturones y látigos.

Dejar Guyana siempre fue un objetivo para Bowling, en parte porque creció como un súbdito colonial. Una vida orientada hacia Gran Bretaña significaba que para continuar sus estudios era necesario trasladarse allí. Los bolos llegaron a Londres en junio de 1953, durante la coronación de la reina Isabel. Inicialmente se propuso ser escritor. "Cuando llegué por primera vez a Inglaterra, no sabía nada sobre museos y arte", dijo.

Pero Bowling finalmente encontró a su público y experimentó un despertar creativo e intelectual. Visitó museos con Keith Critchlow y se enamoró del trabajo de JMW Turner, Leon Kossoff y Frank Auerbach. Comenzó creando autorretratos y luego estudios en figuras. Trazó amigos y pintó atletas, acumulando una obra frenética que solía aplicar al Royal College en 1959. Allí, creó obras figurativas y abstractas influenciadas por Peter Blake y Leonard Rosoman. Pinturas como “Espejo” (1964), que presenta una escalera cerrada y autorretratos expresionistas, capturan la evolución de la sensibilidad del artista.

Nueva York tenía sentido como siguiente paso para Bowling, quien se sentía cada vez más frustrado por la escena artística de Londres y aburrido de la figuración. El pintor, en palabras del teórico cultural Stuart Hall, formó parte de una generación de modernistas anticoloniales que internalizaron un “espíritu de innovación inquieta”.

Los experimentos de Bowling durante su década en Nueva York reflejan esa energía nerviosa. Vivía en un loft del SoHo, cuando eran asequibles, y salía con Clement Greenberg, Robert Smithson y Donald Judd. Escribió críticas para Arts Magazine y fue curador de exposiciones de artistas abstractos, como su famosa exposición “5+1”. El entorno, con sus animadas conversaciones, combates intelectuales, trasnochamientos y competencia amorosa, impulsó la práctica de Bowling.

Comenzó a pensar más en la pintura como material y trató de comprender su alcance. Sacó el lienzo del caballete y lo colocó en el suelo, un cambio que acercó la creación artística a un acto de juego. Luego, Bowling aplicaba la pintura, permitiendo que "se extendiera y sangrara sobre la superficie sin imprimación del lienzo", dijo. "Realmente adentrarnos en la esencia de la pintura". “Middle Passages” y “Map Paintings” se encuentran entre las obras nacidas de este proceso táctil.

Los bolos no han cambiado mucho su práctica en las décadas posteriores. Finalmente perdió ese apartamento en SoHo y, entre 1975 y 1990, estuvo desatado y dependió de amigos y familiares. En 1990, el pintor consiguió un espacio de estudio en Brooklyn y pasó muchos años yendo y viniendo de Nueva York y Londres. La edad lo ha obligado a reducir el ritmo y hoy en día Bowling trabaja principalmente en su estudio de Londres. Su proceso, que ahora incluye la ayuda de asistentes, todavía prioriza los materiales: la pintura, los cubos de geles acrílicos en pigmentos fluorescentes y metálicos, los galones de agua, el amoníaco y los objetos encontrados. "Aunque soy un hombre mayor y mi cuerpo está empezando a decepcionarme", dijo Bowling, "me siento más vivo cuando estoy en el estudio".

¿Cómo es tu día? ¿Cuánto duermes y cuál es tu horario de trabajo?

Si estás hablando de mi horario de trabajo físico, depende. A mi edad, estoy a merced de mi cuerpo. Necesito dormir mucho. Durante la mayor parte de mi vida trabajé en el estudio todos los días de la semana, contra viento y marea. Ahora sólo trabajo tres o cuatro días a la semana.

¿Cuántas horas de trabajo creativo crees que haces en un día?

Solía ​​​​trabajar todos los días en dos turnos, ahora trabajo unas tres o cuatro horas seguidas y luego voy al pub a tomar medio bitter y un single malt, preferiblemente Lagavulin. Entonces me duermo. Pero incluso si no estoy en el estudio, nunca dejo de trabajar. A menudo sueño con el próximo cuadro que voy a hacer. Si no puedo dormir, “pinto en el techo” mentalmente y siempre tengo muchas ganas de llegar al estudio lo antes posible físicamente.

Cuando empiezas una nueva pieza, ¿por dónde empiezas? Es decir, ¿cuál es el primer paso?

Todos comienzan en el suelo de mi estudio, lienzos de algodón empapados en agua hirviendo y lavavajillas. No imprimo los lienzos, así que lo primero que hago es romper la superficie de soporte. Luego, tengo una idea en mente sobre la paleta, así que mezclo la pintura (pintura acrílica mezclada con agua, gel acrílico, agua con amoníaco y, a veces, polvo nacarado) e inundo el lienzo con este color fino.

¿Cómo sabes cuando has terminado?

Llego a un punto en una obra en el que decido que es un cuadro allover. Dedico tiempo a mirar los bordes y suelo utilizar marouflage [un adhesivo] para enmarcarlo. Y luego el lienzo va al bastidor y, cuando regresa, lo miro de cerca, tal vez le hago algunos retoques finales, a menudo con pintura al óleo, y luego me viene a la mente un título. Y listo, el trabajo está terminado.

¿Qué música tocas cuando haces arte?

Escucho una variedad de música (canciones de blues y melodías de jazz), material que es una síntesis de ideas, influencias y lugares. Recientemente he estado escuchando los conciertos para piano de Mozart.

¿Con qué frecuencia hablas con otros artistas?

Todo el tiempo. Mi esposa, Rachel Scott, es artista.

¿Qué sueles ponerte cuando trabajas?

Depende de la temporada, pero a mí me gusta llevar pantalones de pana y camisetas de colores llamativos, mis botas Chelsea o mis Birkenstocks. Y nunca salgo sin mi sombrero: es de Lock & Co. en St James.

Si tienes ventanas, ¿a qué dan?

Mi estudio de Londres tiene ventanas esmeriladas, por lo que realmente no se puede mirar hacia afuera, pero mi estudio en Brooklyn tiene una vista maravillosa del East River hasta el Puente de Brooklyn y el Bajo Manhattan. Es asombroso; es como si pudieras salir por la ventana al río. Siempre he vivido cerca de ríos, ya sea el Támesis, el East River, el Berbice o el Esequibo. El agua es una influencia enorme en mi obra de arte.

¿Qué compras al por mayor con más frecuencia?

Pintar. Gel. Grandes rollos de lona de pato de algodón.

¿Cuál es tu obra de arte favorita (de otra persona)?

“La muerte de Acteón” (1559) de Tiziano y “El caracol” (1953) de [Henri] Matisse.

¿Hacer ejercicio?

Yo solía ser un atleta. Yo era un velocista y ganaba en 100 yardas y en 440 yardas. Ahora el ejercicio consiste en trabajar con mi fisioterapeuta e ir al estudio.

¿Cuál es tu peor hábito?

Alcohol y cigarrillos.

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